En otro año atípico marcado por la pandemia, con altibajos en la industria musical, que parecía recuperarse hacia verano y otoño con los primeros festivales y conciertos sin restricciones, pero que se ha visto ralentizado de nuevo a finales de año con el nuevo aumento de contagios por la variante Omicron, que hace temer otro duro año para el sector en 2022.
Desde Recovery Magazine esperamos que la música haya sido una vía de escape y fuente de inspiración este año, y os dejamos con nuestros discos más destacados, con una escena de música rock y alternativa que está muy viva, con mucha variedad y algunas propuestas muy creativas que quizás se escapen de las tendencias mainstream y los algoritmos que dan visibilidad, pero que no podemos ignorar.
30. Hayley Williams – FLOWERS for VASES / descansos
La cantante de Paramore ha seguido con su descanso de la banda para sacar más material en solitario como forma de terapia. Este segundo álbum de Williams no se puede llamar una continuación de Petals for Armor, sino que es un sonido completamente distinto y reducido a las bases de la composición de sus canciones. FLOWERS for VASES / descansos, es el resultado de una cuarentena solitaria en la que Williams ha canalizado sus emociones en canciones que ella misma ha producido. El instrumento estrella es la guitarra acústica y la temática, una metáfora modesta del desamor.
29. Iceage – Seek Shelter
Iceage, el grupo más conocido de la escena de rock alternativo danés han salido con su quinto disco, Seek Shelter, un trabajo que reafirma la transformación del frontman Elias Rønnenfelt en un verdadero romántico, uno que puede transmitir sentimientos de deseo ardiente sin sonar cliché. En esta nueva era, con la incorporación de un quinto miembro en la guitarra, Iceage suenan más grandes que nunca; Al final de la primera canción del mismo nombre que el disco, el Lisboa Gospel Collective se une y brilla al lado de Rønnenfelt formando un coro triunfante. A lo largo del álbum, Iceage también canalizan varias influencias: desde Nick Cave, Oasis, jazz de los años 30… Definitivamente se trata de un álbum lleno de sorpresas que destaca en la discografía del quinteto danés.
28. Heaven in Hiding – Imminence
Un sonido duro muy definido, letras densas, un registro vocal impecable y una atmósfera sobrecogedora. ‘Heaven in Hiding’ no necesita más que cuatro elementos para ser uno de los mejores discos del año y convertirse, sin duda, en el más especial que la banda sueca ha publicado en su carrera. En él hay riffs de guitarra, breakdowns, una batería agresiva, guturales, cambios de ritmo y preciosas melodías acompañadas de la voz pulida de Eddie Berg, que usa también el violín para añadir profundidad a singles como ‘Chasing Shadows’, ‘Temptation’ o ‘Ghost’, ampliamente aplaudidos por los fans.
27. You Me At Six – SUCKAPUNCH
Ahora, con su séptimo álbum SUCKAPUNCH, You Me At Six vuelve a recorrer un camino más oscuro. Este álbum muestra lo lejos que ha llegado la banda, trayendo de vuelta su sonido de sus inicios, pero de una manera mucho más madura y reimaginada, a la vez que todavía se puede escuchar indicios de nuevos estilos con los que han experimentado en lanzamientos anteriores. Es algo que les funciona muy bien, encontrando un equilibrio entre lo nuevo y viejo. En general, SUCKAPUNCH es una victoria para You Me At Six. Es un disco con estilo y demuestra que, lejos de quedarse sin ideas, esta banda sigue intentando mantenerse a la vanguardia del rock británico moderno.
26. Bullet For My Valentine – Bullet For My Valentine
El nuevo y homónimo disco de Bullet For My Valentine es uno de los más agresivos y brutales que el grupo inglés ha publicado en los últimos años. Con su nuevo trabajo la banda ha vuelto a dar un golpe en la mesa y vuelve a los sonidos duros, a los gritos intensos, a los riffs y solos de guitarra y a los breakdowns que muchos de sus fans echaban de menos. ‘Knives’, que condensa un poco todo esto, es también uno de sus mejores singles en años y una de las mejores ‘metalcore’ del 2021.
25. MOD SUN – Internet Killed The Rockstar
Con este álbum Mod Sun se reinventa dejando atrás su etapa rapera y trayendo el revival nostálgico del pop-punk americano de los 2000, bandas como blink-182 o Jimmy Eat World son más que influencias ya que cuenta además con la producción de Travis Barker, y la colaboración de Avril Lavigne en “Flames”. La versión deluxe tampoco tiene desperdicio con temas destacados como “Amnesia”, “Painkiller” y “Heavy” junto a Blackbear. Un disco que despierta energía positiva propia de este género, incluso en su vertiente más emo.
24. Black Country, New Road – For The First Time
El septeto de Black Country, New Road por fin ha sacado su álbum debut, apropiadamente llamado “For The First Time”. Sus canciones llenas de crescendos y su sonido caótico y distintivo podrían hacer pensar a un fan de la música corriente que BC,NR no saben de música y que sonidos aparentemente accidentados no forman parte del número, pues ellos no se ajustan a los límites de la composición. Sin embargo, la realidad es que las obras de Black Country, New Road están siempre meticulosamente elaboradas, eso sí, sin perder el sentido de la ironía y la cultura popular en sus letras. Y es que BC,NR es el resultado de una mitad de los miembros formada clásicamente, y la otra mitad autodidacta, lo que resulta en una harmonía especial que brilla en este fantástico debut.
23. Biffy Clyro – The Myth Of The Happily Ever After
El anterior disco de Biffy Clyro fue publicado en agosto del año pasado, pero han aprovechado el parón de giras y los temas extras que tenían guardados para componer aún más material, experimentando y mostrando su gran diversidad, yendo todavía más lejos que en “A Celebration Of Endings”. Debido a esto le falta algo de cohesión, pero Biffy nunca aburren y no sabes qué te vas a encontrar a la vuelta de la esquina.
22. Waterparks – Greatest Hits
El título quizás engañe, puesto que no se trata de un álbum recopilatorio de sus mejores éxitos, ni tampoco un guiño a sus raíces, ya que en este cuarto LP la banda de Houston encabezada por Awsten Knight, es tan variado y experimental como su colorido pelo. Sin filtros y con mucha actitud se embarcan en incontables direcciones musicales, empezando por “Lowkey As Hell” que representa el cambio entre una era y otra. 17 canciones que demuestran que su creatividad no tiene límites.
21. Shame – Drunk Tank Pink
Los más jóvenes del post-punk, Shame, han vuelto con un disco que pide a gritos salir de gira. DrunkTank Pink es un trabajo más maduro que incluye canciones sobre la el desamor, pero es esencialmente un álbum sobre las privaciones de no estar de gira y la lucha por descomprimirse en la vida normal. DTP es también el álbum que contiene la que posiblemente sea la mejor canción de Shame hasta la fecha, Snow Day, una obra gigantesca que apela al subconsciente y a los sueños, y que te lleva a confrontarte a ti mismo cuando cierras los ojos y te imaginas que te pierdes en la naturaleza sin la persona que quieres.
20. Grayscale – Umbra
El tercer disco de estudio del quinteto de Philadelphia llega tras Nella Vita (2019), con una buena vibra que te animará desde el primer momento en el que suenan las trompetas al principio. El álbum es un soplo de aire fresco en su género, que cada vez se aleja más del pop-punk / rock de sus inicios a un rollo más indie pop que recuerda mucho a The 1975, con sus pedales de efectos, sintetizadores, riffs extravagantes y potentes solos de guitarra. Imposible contener las ganas de levantarse a bailar.
19. IDLES – Crawler
En este cuarto disco de una de las bandas más interesantes en surgir de la escena británica en los últimos años, IDLES han expandido su sonido más allá del post-punk, arrastrando con ellos influencias desde soul, industrial, blues electrónico… No renuncian a su personalidad ni tienen el factor sorpresa inicial, pero sí curiosidad por salirse del guión. Joe Talbot en esta ocasión se muestra más introspectivo, y cada detalle del álbum está cuidado y ordenado meticulosamente.
18. Twenty One Pilots – Sealed And Icy
Este disco rompe totalmente con su predecesor “Trench” (2018), empezando con pistas ocultas y acabando con una colección vibrante y colorida de canciones de pop modernas, más mainstream, como “Shy Away” o “Saturday”. Tyler Joseph vuelve a mostrarse como uno de los compositores con más talento actualmente para crear temas con gancho, en su disco más experimental hasta la fecha, recuperando influencias del hip hop, pero no tan rarunos y eclécticos como nos tenían acostumbrados.
17. Pale Waves – Who Am I?
Siguiendo la tendencia actual del revival del emo y pop punk de principios de los 2000, Pale Waves han bajado el tono de los sintetizadores y han subido el volumen de las guitarras, con una clara influencia de Avril Lavinge. El segundo álbum de la banda de Manchester que saltó a la fama en 2018 con su debut producido por Matt Healy de The 1975, es un disco de liberación y orgullo por quienes son y a quien aman, como canta Heather en “Tomorrow”, “La sexualidad no es una opción, no dejes que nadie te diga que está mal”, con momentos de angustia y confusión.
16. Inhaler – It Won’t Always Be Like This
El esperado debut de los irlandeses Inhaler llegó por fin este verano y de qué manera. It Won’t Always Be Like This, que lleva el mismo nombre de una de sus primeras canciones que sacaron, está repleto de guitarras estridentes que te llevarán a épocas del rock clásico, y de sintetizadores relucientes y sonidos más frescos que hacen de este debut una fantástica introducción a Inhaler. Este debut demuestra que el grupo es prometedor y que hay más en Inhaler que semejanzas familiares.
15. Royal Blood – Typhoons
El duo de Brighton ha engrandecido su sonido, con un disco más dinámico y variado, que sin dejar de lado sus raíces de rock, parece que han producido canciones pensadas para la pista de baile, con pegadizas y eufóricas melodías. Mike Kerr y Ben Thatcher han introducido arreglos de sintetizadores, teclados y detalles que enriquecen los riffs de bajo super distorsionados y batería rock n roll que les caracterizan, mostrando su inspiración en artistas de EDM como Justice o Daft Punk.
14. Halsey – If I Can’t Have Love, I Want Power (Capitol)
Este disco es una obra conceptual sobre la complejidad emocional de un embarado, siendo todavía más duro en su caso, con trastorno bipolar. Esta experiencia, con sus alegrías y horrores la refleja Halsey fantásticamente bien entre sintetizadores, arreglos minimalistas o solos de batería de Dave Grohl, capturando la complejidad y vulnerabilidad de una joven madre que está en lo más alto de la industria musical.
13. Frank Carter & The Rattlesnakes – Sticky
El cuarto disco de Frank Carter desde que abandonó Gallows en 2011, es su obra más animada y divertida, con mucho gancho y temas tan pegadizos como su título, “Sticky”. Habla sobre la ansiedad, el machismo o la frustración social de la época que vivimos, prestando siempre atención también a cuidar la salud mental. Colabora con artistas como Joe Talbot de IDLES, Lynks, Cassyette y Bobby Gillespie de Primal Scream.
12. Sam Fender – Seventeen Going Under
El 2021 sin duda ha sido un año increíble para Sam Fender, en el que ha creado una obra musical con historias personales y letras sin filtro. Un disco valiente, desafiante y maduro, que sirve de fuente de inspiración, sin dejar de mirar el mundo con lupa. En este segundo disco Sam convierte su propia experiencia en canciones en las que podemos reconocernos todos, y a pesar de su sencillez son preciosas cuando salen directas del corazón, y los momentos de saxofón son muy bienvenidos.
11. Wolf Alice – Blue Weekend
Los rockeros británicos han vuelto a lo grande con su disco más cinemático hasta la fecha. Blue Weekend es un disco lleno de colores y emociones extravagantes en el que la cantante Ellie Rowsell explica sus experiencias fuera de casa con los sentimientos de euforia e inseguridad que eso conlleva, acompañado de coros majestuosos y una instrumentación de ensueño. En este disco la banda pasa por distintos géneros e influencias como los Beatles o David Bowie, y por supuesto su sonido propio que hace de Wolf Alice una banda platónica en esta década. Está claro que han ido a por un sonido más grande y ambicioso y lo han conseguido de una manera excepcional.
10. For Those That Wish To Exist – Architects
El nuevo álbum de Architects abre una nueva etapa para la banda de metalcore inglesa. For Those That Wish To Exist amplia los horizontes del grupo liderado por Sam Carter, con canciones épicas y ambiciosas que si bien mantienen el sonido duro representativo de Architects (ahí están canciones como ‘Impermanence’ o ‘Animals’), incorporan también sintetizadores y otros rasgos ‘pop’, como ocurre con ‘Little Wonder’ o ‘Meteor’. Un disco arriesgado pero cuidadosamente producido, con el que la banda ha encontrado el equilibrio perfecto para contentar a fans antiguos y conquistar nuevos públicos.
9. Don Broco – Amazing Things
Don Broco ha vuelto a la carga con un nuevo álbum repleto de canciones que mantienen la esencia de la banda y otros nuevos temas más experimentales, con cambios desconcertantes de sonido, breakdowns inesperados y melodías de lo más especiales. ‘Amazing Things’ contiene energía a raudales, con hits convertidos en himnos épicos (como ‘Manchester Super Reds No1. Fans’ o ‘Bruce Willis’) que sin duda los fans del grupo amarán y desearán corear en directo.
8. Billie Eilish – Happier Than Ever
Después de un álbum debut que redefinió el pop, ganando cuatro Grammy a los 19 años, las expectativas estaban muy altas para su segundo disco, con el que ha evolucionado. Sus letras enfocan el paso a la madurez, de una artista valiente, honesta y optimista, así como la aceptación y el cambio. Su sonido minimalista con pistas atmosféricas y toques electrónicos, acompañan su voz susurrante, pero el disco es versátil, con toques de soul, folk, góspel, emo, electropop… sin perder su identidad.
7. Japanese Breakfast – Jubilee
Después de dos álbumes y un best-seller de memorias sobre la muerte de su madre, el dolor ha sido el componente principal en el trabajo de Michelle Zauner. En Jubilee, su espléndido tercer álbum como Japanese Breakfast, Zauner potencia su sonido para un público cada vez más numeroso sin suavizar su idiosincrasia, inspirándose en la batalla diaria para domar las propias ansiedades, en la bufonería capitalista e incluso en el propio concepto de inspiración. En Jubilee, Zauner va a por todas y algo más allá, con un estallido de alegría indie-rock salpicado a lo largo de cada canción, ya sea la casi perfecta apertura, “Paprika”, la dolorosa “Kokomo, IN”, o la mística “Posing in Bondage”.
6. Lil Nas X – Montero
Uno de los lanzamientos pop más esperados del año, a pesar de tener la presión de consagrarse tras su gran éxito “Old Town Road”, ha demostrado que lo puede hacer todo, convirtiéndose en una gran estrella, que destroza estereotipos y desprende carisma y seguridad en sí mismo. Montero baila entre el pop de discurso emo que ha vuelto a estar de moda, y el hip-hop, donde encontramos colaboraciones con artistas como Miley Cyrus, Jack Harlow, Doja Cat o especialmente en “One of Me” con Elton John, en un momento de solidaridad entre dos héroes queer de distintas generaciones.
5. El Madrileño – C. Tangana
Era una de los discos más esperados del 2021, y no decepcionó. ‘El Madrileño’ es el trabajo más personal de C. Tangana, que explora en este álbum nuevos caminos y reivindica la canción popular española. Un disco repleto de colaboraciones interesantes (hasta 15), una cuidadísima estética -como bien se ha visto en sus vídeos- y melodías pegadizas y fiesteras capaces de poner a bailar tanto a los fans del artista como a sus detractores.
4. Adele – 30
Para una generación que ha crecido con Adele, 30 traza un camino para explorar nuevas dimensiones de la vida adulta. Liberándose de su matrimonio y de las expectativas que conlleva ser madre, este álbum es su álbum más aventurero desde el punto de vista musical. Podemos escuchar canciones como la desgarradora “My Little Love” y la poderosa “To Be Loved” que examinan el alto coste de ponerse a sí mismo en primer lugar e incluso un fragmento de buzón de voz tan privado que duele escucharlo. 30 es una reserva de baladas de amor y desamor que triunfa por su enfoque cándido de la angustia, el dolor y la vulnerabilidad.
3. Taylor Swift – Red
No se puede negar: “Red” (Taylor’s Version) es el mejor álbum de Taylor Swift y uno de los mejores de la última década. Regrabado con meticuloso detalle, junto con una docena de canciones recortadas del original de 2012, “Red” (Taylor’s Version) se mantiene firme y perfecciona todo lo que debe ser un álbum de rupturas y desamor. Incluye la canción más esperada y promocionada: una versión ampliada de 10 minutos de “All Too Well”, acompañado además de un corto. “Red” (Taylor’s Version) es un retrato en el tiempo de una chica a la que le acaban de romper el corazón, y capta esta experiencia de una forma tan vívida e universal que nadie puede resistirse a su atractivo. Por supuesto que es dramático, pero por eso es tan extraordinario. Y, como siempre, es tentador tachar todo esto de puro histrionismo; pero Red no se convirtió en un éxito porque las canciones de Swift sean pegadizas, sino porque, como escritora, decidió compartir algo vital, honesto y profundo.
2. Olivia Rodrigo – Sour
En 2021, nadie demostró mejor el desamor que Olivia Rodrigo. El álbum de debut de esta joven de 18 años parece ya una colección de éxitos, pero no es sólo que las canciones de Sour hayan sido ineludibles durante todo el año. Es que todo el mundo, desde los adolescentes de TikTokers hasta los críticos musicales de mediana edad, parecen haberse encaprichado con este álbum: las baladas potentes y armadas “drivers license” y “traitor”; el sonido acaramelado de “deja vu”, el himno pop-punk “good 4 u” y el manifiesto de angustia adolescente “brutal”. A la hora de la verdad, el drama y tristeza adolescente es un lenguaje universal y “Sour” encuentra todas las palabras adecuadas para pintar un retrato universal del desamor.
1. Turnstile – Glow On
Turnstile llevan el sonido del rock más allá con Glow On, un álbum de experimentación sin límites, con una gran mezcla de estilos y perfectamente ejecutado. Los de Baltimore han conseguido una increíble cohesión en un álbum que te lleva en un viaje divino a través del hardcore, electrónica, dance, rock, punk, psicodelia y delicados pianos, una catarsis justo cuando la necesitas. Una música muy adictiva que te saca una sonrisa e invita al pogo y desenfreno, con muchos giros inesperados, como “Mystery” que abre el álbum, empieza con un misterioso y psicodélico sintetizador de pop multicolor para después introducir un riff de guitarra más propia del hardcore, y a Brendan Yates cantando en tono melódico. Sin duda parecen “navegar sin ningún rumbo”, y nada les va a detener.
Reseñas escritas por James Lomax, Helaina Harvey, Cristina Cañedo y Sofía Rendos.
